04.09.2018 – 29.09.2018

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is pleased to present the exhibition THE FOOLOSOPHER for ART NOU by the artist MARC BADÍA. The body of his work focuses on the hermeneutics of images in a pictorial practice and installation, using humour and mystery as tools of criticism.

In his work the artist seeks to create tangential connections between the history of pictorial tradition and the new paradigms that emerge from contemporary aesthetics. Many of his images are recovered from the vast ocean of the Internet to then be returned to the circuit in an ironically romantic way. Marc Badia’s series of paintings and sculptures for THE FOOLOSOPHER are inspired by the 2014 viral video A Potato Flew Around My Room. The video is a misheard lyric from Frank Ocean’s song Thinkin’ Bout You, in which the Vine user mistakenly sings the word “potato” instead of “tornado” while a potato – tied to a ceiling fan – spins around.

The artist uses humour as a tool for criticism: his works are a commentary on how this frivolous online world of bad jokes and video clips can allude to much more. His work explores the idea that this new language of the Internet provokes us to reflect on how humanity has developed so far, yet we inevitably look to for the absurd for some kind of solace. Within an information-charged and instantaneous digital world we have created a new rhetoric: memes. Through satire and stupidity these memes are frames in which we can better understand our own modern context and place.


[ES] Hans & Fritz Contemporary se complace en presentar la exposición THE FOOLOSOPHER de Marc Badia, para Art Nou 2018. En su obra, el artista busca crear conexiones entre la historia de la tradición pictórica y los nuevos paradigmas que emergen de la estética contemporánea. La serie de pinturas y esculturasTHE FOOLOSOPHER está inspirada en un video de la aplicación Vine, A Potato Flew Around My Room, que se hizo viral en 2014. Se trata de una interpretación errónea de la letra de la canción de Frank Ocean Thinkin ‘Bout You: el usuario de Vine confunde la palabra “potato” en lugar de “tornado”. Mientras canta erróneamente la letra, una patata atada a un ventilador de techo gira alrededor de una habitación. El trabajo presentado explora la idea de como el humor absurdo dentro del nuevo lenguaje de internet, los memes y los gifs, puede aludir a mucho mas. El absurdo como estrategia crítica, como refugio.


[CAT] Hans & Fritz Contemporary es complau a presentar l’exposició:THE FOOLOSOPHER de Marc Badia, per a Art Nou 2018. En aquesta obra, l’artista busca crear connexions entre la història de la tradició pictòrica i els nous paradigmes que emergeixen de l’estètica contemporània. La sèrie de pintures i escultures deTHE FOOLOSOPHER està inspirada en un vídeo de l’aplicació Vine,A Potato Flew Around My Room, que es va fer viral a 2014. Es tracta d’una interpretació errònia de la lletra de la cançó de Frank Ocean Thinkin ‘Bout You: l’usuari de Vine, confon la paraula “potato” en lloc de “tornado”. Mentre canta erròniament la lletra, una patata lligada a un ventilador de sostre gira al voltant d’una habitació. El treball presentat explora la idea de com l’humor absurd dins el nou llenguatge d’internet, els memes i els gifs, pot alludir a molt mes. L’absurd com a estratègia crítica, com a refugi.




31.05.2018 – 07.07.2018

PREVIEW: 31.05 > 18hr

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is glad to present at our London space a solo exhibition by the Swiss artist NILS NOVA (Luzern- Switzerland / born in El Salvador, 1968). Nils Nova’s work is based on a subtle use of images – using a wide range of media: photography, video, painting and performance. 

The visual work of this internationally acclaimed artist has recently been characterised by a contemporary analysis of the possibilities offered by the trompe-L’oeil, the trick-of-the-eye technique that seemingly distorts reality. From 1997 to 2001, Nova studied fine arts at the Lucerne University of Art and Design. His work has been displayed at the Venice Art Biennale (2009) and the 14th International Architecture Biennale in Venice (2014).

A salient feature of the works Nils Nova has made in recent years is their reliance on the space in which they are presented, where they hover between illusion and reality. Specifically, Nova relates his installations to the real rooms of the exhibition venue, transforming and re-articulating them on-site. He starts by analysing and deconstructing the respective situation, going through it in his mind and trying out a series of spatial and visual variations. The spatial images or imagined spaces that he comes up with are then converted into constructive ideas that he projects back onto the original space. The medium he has chosen to give shape to his ideas is photography. Nova takes pictures of a room from thoughtfully chosen angles and prints them as wallpaper pictures that he mounts elsewhere in the same room or in a neighbouring room. Views of the photographed room are displaced, twisted and multiplied through juxtapositions and mirroring so that perception of the original room is confounded to varying degrees. By using a contemporary medium to create a tromp-l’oeuil effect within a real space, the artist produces a real virtual space – space and the illusion of space are paradoxically interwoven.





DATE: 10.05.2018 – 07.07.2018

VERNISSAGE & EVENT:  Look For: On The Street > 10.05.2018 20hr (510 20:00)



HANS & FRITZ CONTEMPORARY is pleased to present the exhibition NIGHT-TIME = DARKNESS by the artist SATOSHI HASHIMOTO. Hashimoto is currently one of Japan’s most ‘alarming’ artists, producing works of art in the form of performances, actions, and instructions aimed at inducing the viewers’ into questioning their role in experiencing art. 

In the experience of art appreciation, we have acquired the habit of playing the role of an art viewer, which is allocated as one part of the structure of artist-artwork-viewer. Generally, we cannot bring personal feelings and private affairs into an art gallery because we must try to interpret the artwork objectivity and correctly. Exploring what he calls  fuka, a term pointing to a sense of suspense, risk and pressure, Hashimoto disrupts this structure.

In an art exhibition, viewers are not only influenced by the artwork and venue but are also significantly influenced by the viewers themselves. The viewers are not transparent existences in the exhibition space. At times, they are even more real and active than the actual artworks and have the potential to cause something to happen inadvertently. One can go further and say that the venue exists to install viewers rather than artwork, and that the artworks act as assistants to produce the performance.

Offering a way out of an “art of the everyday”, Hashimoto’s sometimes—unreasonable instructions and micro-actions freely transcend any borders, posing a question to our principle of existence.



HANS & FRITZ CONTEMPORARY にて、アーティスト橋本聡の個展『NIGHT-TIME = DARKNESS』を開催致します。橋本はパフォーマンス、インストラクション、イベントなどと言った様々な在り方によって、観賞者の在り方を問う、日本で最も驚くべきアーティストのひとりです。

美術鑑賞の経験の中で、私たちはアーティスト/作品/観賞者という構造の一部としてアートを「観る人」という慣習に捕われてきました。一般的には、作品を客観的に正しく解釈し受けとめようとするため、アートギャラリーに個人的な感情や問題、振舞いを持ち込むことはできません。橋本は 不安定さや不確定性、プレッシャーなど様々な観賞者への「負荷」を探求し、この構造を解体します。





HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición NIGHT-TIME = DARKNESS del artista SATOSHI HASHIMOTO. Hashimoto es actualmente uno de los artistas más “alarmantes” de Japón, produciendo obras de arte en forma de performances, acciones e instrucciones destinadas a inducir a los espectadores a cuestionar su papel en la experimentación del arte.

En la experiencia de la apreciación del arte, hemos adquirido el hábito de jugar el papel del espectador de arte, que se asigna como una parte de la estructura del artista/obra de arte/espectador. En general, no podemos llevar nuestros sentimientos personales y asuntos privados a una galería de arte porque debemos tratar de interpretar la obra de arte objetivamente y de una manera correcta. Explorando lo que él llama fuka, un término que apunta a una sensación de suspenso, riesgo y presión, Hashimoto interrumpe esta estructura.

En una exposición de arte, los espectadores no solo están influenciados por la obra de arte y el espacio, sino que también están significativamente influenciados por los propios espectadores. Los espectadores no son existencias transparentes en el espacio de la exposición. A veces, son incluso más reales y activos que las obras de arte y tienen la capacidad de causar que algo suceda inadvertidamente. Se puede ir más allá y decir que el espacio existe para instalar espectadores en lugar de obras de arte, y que las obras de arte actúan como asistentes para producir el performance.

Al ofrecer una salida del “arte de lo cotidiano”, las instrucciones y microacciones a veces irracionales de Hashimoto trascienden cualquier frontera libremente, planteando una cuestión a nuestro principio de existencia.



HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau a presentar l’exposició NIGHT-TIME = DARKNESS de l’artista SATOSHI HASHIMOTO. Hashimoto és actualment un dels artistes més “alarmants” de Japó, produint obres d’art en forma de performances, accions i instruccions destinades a induir als espectadors a qüestionar el seu paper en l’experimentació de l’art.

En l’experiència de l’apreciació de l’art, hem adquirit el hàbit de jugar el paper del espectador de l’art, que s’assigna com una part de la estructura de l’artista/obra d’art/espectador. En general, no podem portar els nostres sentiments personals i assumptes privats a una galeria d’art perquè hem de tractar d’interpretar la obra d’art de forma objectiva i d’una manera correcta. Explorant el que ell anomena fuka, un terme que apunta a una sensació de suspens, risc i pressió, Hashimoto interromp aquesta estructura.

En una exposició d’art, els espectadors no només estan influenciats per la obra d’art i l’espai, sinó que també estan significativament influenciats pels propis espectadors. Els espectadors no són existències transparents en el espai de l’exposició. A vegades, són encara més reals i actius que les obres d’art i tenen la capacitat de provocar que alguna cosa passi inadvertidament. Es pot anar més enllà i dir que el espai existeix per instal·lar espectadors en lloc de obres d’art, i que les obres d’art actuen com a assistents per produir l’actuació.

Al oferir una sortida de l'”art del dia a dia”, les instruccions i microaccions a vegades irracionals d’Hashimoto transcendeixen qualsevol frontera lliurement, plantejant una qüestió al nostre principi d’existència.


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DATES: 18.05.2018 – 26.05.2018

18.05 > 18hrs: Preview


四月のある晴れた朝、原宿の裏通りで僕は100パーセントの女の子とすれ違う。 たいして綺麗な女の子ではない。素敵な服を着ているわけでもない。髪の後ろの方には寝ぐせがついたままだし、歳だっておそらくもう三十に近いはずだ。しかし五十メートルも先から僕にはちゃ んとわかっていた。彼女は僕にとっての100パーセントの女の子なのだ。彼女の姿を目にした瞬間から僕の胸は不規則に震え、口の中は 砂漠みたいにカラカラに乾いてしまう。 


One beautiful April morning, on a narrow side street in Tokyo’s fashionable Harujuku neighbourhood, I walked past the 100% perfect girl.

Tell you the truth, she’s not that good-looking. She doesn’t stand out in any way. Her clothes are nothing special. The back of her hair is still bent out of shape from sleep. She isn’t young, either – must be near thirty, not even close to a “girl,” properly speaking. But still, I know from fifty yards away: She’s the 100% perfect girl for me. The moment I see her, there’s a rumbling in my chest, and my mouth is as dry as a desert.

The artist combs through the urban jungle in the wake of Baudelaire’s dandified «flaneur». With a candid camera, he records particularities and curious discoveries, and emerges among the multitude, simultaneously trying to be a part of it. Weiss persistently asks the vital question, what it means that a person, object or building can stand out from an overpowering crowd. For him, it is the continuous fascination to unhinge and isolate someone or something from the crowd—an obscure wave or movement, endlessly volatile—with the purpose of recording it photographically. On his forays, he considers himself a touristy paparazzi which documents snap-shots of the events with his camera. As a voyeur, he constantly conquers images. He considers himself almost criminal because he collects «intimacy», and feels safe in the crowd. Weiss appropriates the picture language of fashion and publicity; he idealises beauty and exalts it to inaccessibility.

In the truest sense of the word «inconceivable», the dimension of Tokyo, with all its facets and contrariness, lets Weiss follow Haruki Murakami’s traces to look for the «100% perfect girl». Snapshots, surprises, mixed with all kinds of contingencies, show a diverse image of women from the metropolis: on one hand, celebrated tradition, on the other, cyberspace allures of maybe fallen angels.



Una preciosa mañana de abril, en una calle lateral del barrio chic de Harujuku en Tokio, me crucé con la chica 100% perfecta.

Te digo la verdad, no es tan guapa. No sobresale de ninguna manera. Su ropa no es nada especial. La parte de atrás de su cabello todavía está aplastada después de haber dormido. Tampoco es joven– debe andar alrededor de los treinta, ni siquiera cerca de lo comúnmente se considera una ‘chica’. Aun así, a cincuenta metros sé que es la chica 100% perfecta para mí. En el momento en que la veo, siento un retumbo en mi pecho, y mi boca se queda tan seca como un desierto.

El artista recorre la jungla urbana en la estela del «flaneur» dandi de Baudelaire. Con una cámara oculta, registra particularidades y descubrimientos curiosos, y emerge entre la multitud, tratando simultáneamente der formar parte de ello. Weiss constantemente hace la pregunta vital, lo que significa que una persona, un objeto o un edificio puedan destacarse de una multitud abrumadora. Para él, es la fascinación constante, desquiciar, aislar a alguien o algo de la multitud, ese saludo indefinible, movimiento, e infinitamente volátil, para finalmente, registrarlo fotográficamente. En sus incursiones, se considera a sí mismo como un paparazzi turístico, que documenta con su cámara, instantáneas de los eventos. Como voyeur, constantemente conquista imágenes. Se considera a sí mismo casi como criminal, porque colecciona la «intimidad» y se siente seguro entre la multitud. Weiss se apropia el lenguaje pictórico de la moda y la publicidad; idealiza la belleza y la exalta a la inaccesibilidad.

En el verdadero sentido de la palabra «inconcebible», la dimensión de Tokio, con todas las facetas y la inconstancia, permite a Weiss seguir las huellas de Haruki Murakami en busca de la «chica 100% perfecta». Instantáneas, sorpresas, mezcladas con todo tipo de contingencias, muestran una imagen diversa de mujeres de la metrópoli: por un lado, la tradición célebre, por el otro lado, actitudes ciberespaciales de ángeles tal vez caídos.



Un preciós matí d’abril, en un carrer lateral del barri chic de Harujuku a Tòquio, em vaig creuar amb la noia 100% perfecta.

Et dic la veritat, no és tan maca. No sobresurt de cap manera. La seva roba no és res especial. La part de darrere del seu cabell encara està aixafada després d’haver dormit. Tampoc és jove- ha d’estar al voltant dels trenta, ni tan sols a prop del que comunment es considera una ‘noia’. Així i tot, a cinquanta metres sé que és la noia 100% perfecta per mi. En el moment en que la veig, sento un retruny en el meu pit, i la meva boca es queda tan seca com un desert.

L’artista recorre la jungla urbana en l’estela del «flaneur» de Baudelaire. Amb una càmera oculta, registra particularitats i descobriments curiosos, i sorgeix entre la multitud, tractant simultàniament formar-ne part. Weiss constantment fa la pregunta vital, què significa que una persona, un objecte o un edifici puguin destacar-se d’una multitud enutjosa. Per a ell, és la fascinació constant, trasbalsar, aïllar algú o alguna cosa de la multitud, aquesta obscura salutació o moviment, infinitament volàtil, per finalment, registrar-ho fotogràficament. En les seves incursions, es considera a ell mateix com un paparazzi turístic, que documenta amb la seva càmera, instantànies dels esdeveniments. Com a voyeur, constantment conquista imatges. Es considera a ell mateix gairebé com un criminal, perquè recopila la «intimitat» i es sent segur entre la multitud. Weiss s’apropia del llenguatge pictòric de la moda i la publicitat; idealitza la bellesa i l’exalta a la inaccessibilitat.

En el veritable sentit de la paraula «inconcebible», la dimensió de Tokio, amb totes les facetes i la inconstància, permet a Weiss seguir les empremtes d’Haruki Murakami en busca de la «100% noia perfecta». Instantànies, sorpreses, barrejades amb tot tipus de contingències, mostren una imatge diversa de dones de la metròpoli: per un costat, la tradició celebrada, per l’altre costat, actituds ciberespacials d’àngels potser caiguts.




22 May 2018


HANS & FRITZ CONTEMPORARY – BARCELONA is pleased to present a performance evening with two happennings arranged by the artist SATOSHI HASHIMOTO for his solo exhibition NIGHT-TIME = DARKNESS.

Hashimoto is currently one of Japan’s most ‘alarming’ artists, producing works of art in the form of performances, actions, and instructions aimed at inducing the viewers’ into questioning their role in experiencing art.In the experience of art appreciation, we have acquired the habit of playing the role of an art viewer, which is allocated as one part of the structure of artist/artwork/viewer.

Hashimoto’s works act like anti-props, seemingly meaningless actions which only reveal themselves fully when one engages with them. The works demand of the viewer a commitment — to time, to play, to incarceration and surrender. The actions offer a way out of an “art of the everyday” by moving into a decidedly Bataillian territory of content without meaning that refuses to accept the “everyday” as a neutral, un-problematic experience. 





15.03.2018 – 27.04.2018


HANS & FRITZ CONTEMPORARY is pleased to present the exhibition MÁQUINA TOTAL by the artist CAMILA CAÑEQUE. As though a hangover caused by the accumulation of layers over the centuries had generated a restless but totally paralyzed environment, the installation presents an obstinate pause from which to question the direction of our accelerating machinery.

On this occasion, the presence of a static body—the main feature of the artist’s performance work—is superseded by objects whose common denominator is also immobility. In front of the neurotic flow of images of today, the collection of works that occupy the space are trapped in the waiting room of a hypothetical present, through the figurative use of abstract-visual vocabulary of our consumerist society. An interior puddle, an archaeological excavation or an impracticable mattress are some of the pieces that occupy this circular time—succumbed to stillness.

The repetitive gesture of passivity merges into a monochromatic environment where works battle between materiality and memory. Nature and artificiality cancel each other out, urban elements coexist with claustrophobia and all the pieces are windows with views of an uninhabitable world.

Thus, inactivity is declared a speculative image of resistance and resignation. And so, discarding the action in the future, the narration of a past that was once active is hidden, until a tedious electronic drone announces its flight.



HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición MÁQUINA TOTAL de la artista CAMILA CAÑEQUE. Como si una resaca provocada por la acumulación de capas a lo largo de los siglos hubiera generado un entorno intranquilo pero totalmente paralizado, la instalación presenta una pausa obstinada desde donde cuestionar el rumbo de nuestra maquinaria acelerada.

En esta ocasión, la presencia de un cuerpo estático -característica principal de la obra performática de la artista- es suplantada por objetos cuyo denominador común es también la inmovilidad. Frente al flujo neurótico de imágenes de hoy, el conjunto de las obras que ocupan el espacio se encuentran atrapadas en la sala de espera de un presente hipotético mediante el uso figurativo del vocabulario abstracto-visual de nuestra sociedad consumista. Un charco interior, una excavación arqueológica o un colchón impracticable son algunas de las piezas que ocupan este tiempo circular – entregado a la quietud.

El gesto repetitivo de la pasividad se funde en un entorno monocromático donde las obras se debaten entre la materialidad y la memoria. Naturaleza y artificialidad se anulan entre sí, los elementos urbanos conviven con la claustrofobia y todas las piezas son ventanas con vistas a un mundo inhabitable.

De este modo, se declara la inactividad como una imagen especulativa de resistencia y resignación. Y así, desechando la acción en el futuro, la narración de un pasado que alguna vez fue activo queda oculta, hasta que un tedioso dron electrónico anuncia su vuelo.



HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau en presentar l’exposició MÁQUINA TOTAL de l’artista CAMILA CAÑEQUE. Com si una ressaca provocada per l’acumulació de capes al llarg dels segles hagués generat un entorn intranquil però totalment paralitzat, la instal·lació presenta una pausa obstinada des d’on qüestionar el rumb de la nostra maquinària accelerada.

En aquesta ocasió, la presència d’un cos estàtic -característica principal de l’obra performàtica de l’artista- és suplantada per objectes el denominador comú és també la immobilitat. Davant del flux neuròtic d’imatges d’avui, el conjunt de les obres que ocupen l’espai es troben atrapades a la sala d’espera d’un present hipotètic mitjançant l’ús figuratiu del vocabulari abstracte-visual de la nostra societat consumista. Un toll interior, una excavació arqueològica o un matalàs impracticable són algunes de les peces que ocupen aquest temps circular – entregat a la quietud.

El gest repetitiu de la passivitat es fon en un entorn monocromàtic on les obres es debaten entre la materialitat i la memòria. Naturalesa i artificialitat s’anul·len entre si, els elements urbans conviuen amb la claustrofòbia i totes les peces són finestres amb vista a un món inhabitable.

D’aquesta manera, es declara la inactivitat com una imatge especulativa de resistència i resignació. I així, rebutjant l’acció en el futur, la narració d’un passat que alguna vegada va ser actiu queda oculta, fins que un tediós dron electrònic anuncia la seva vol.