DATE: 10.05.2018 – 07.07.2018

VERNISSAGE & EVENT:  Look For: On The Street > 10.05.2018 20hr (510 20:00)



HANS & FRITZ CONTEMPORARY is pleased to present the exhibition NIGHT-TIME = DARKNESS by the artist SATOSHI HASHIMOTO. Hashimoto is currently one of Japan’s most ‘alarming’ artists, producing works of art in the form of performances, actions, and instructions aimed at inducing the viewers’ into questioning their role in experiencing art. 

In the experience of art appreciation, we have acquired the habit of playing the role of an art viewer, which is allocated as one part of the structure of artist-artwork-viewer. Generally, we cannot bring personal feelings and private affairs into an art gallery because we must try to interpret the artwork objectivity and correctly. Exploring what he calls  fuka, a term pointing to a sense of suspense, risk and pressure, Hashimoto disrupts this structure.

In an art exhibition, viewers are not only influenced by the artwork and venue but are also significantly influenced by the viewers themselves. The viewers are not transparent existences in the exhibition space. At times, they are even more real and active than the actual artworks and have the potential to cause something to happen inadvertently. One can go further and say that the venue exists to install viewers rather than artwork, and that the artworks act as assistants to produce the performance.

Offering a way out of an “art of the everyday”, Hashimoto’s sometimes—unreasonable instructions and micro-actions freely transcend any borders, posing a question to our principle of existence.



HANS & FRITZ CONTEMPORARY にて、アーティスト橋本聡の個展『NIGHT-TIME = DARKNESS』を開催致します。橋本はパフォーマンス、インストラクション、イベントなどと言った様々な在り方によって、観賞者の在り方を問う、日本で最も驚くべきアーティストのひとりです。

美術鑑賞の経験の中で、私たちはアーティスト/作品/観賞者という構造の一部としてアートを「観る人」という慣習に捕われてきました。一般的には、作品を客観的に正しく解釈し受けとめようとするため、アートギャラリーに個人的な感情や問題、振舞いを持ち込むことはできません。橋本は 不安定さや不確定性、プレッシャーなど様々な観賞者への「負荷」を探求し、この構造を解体します。





HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición NIGHT-TIME = DARKNESS del artista SATOSHI HASHIMOTO. Hashimoto es actualmente uno de los artistas más “alarmantes” de Japón, produciendo obras de arte en forma de performances, acciones e instrucciones destinadas a inducir a los espectadores a cuestionar su papel en la experimentación del arte.

En la experiencia de la apreciación del arte, hemos adquirido el hábito de jugar el papel del espectador de arte, que se asigna como una parte de la estructura del artista/obra de arte/espectador. En general, no podemos llevar nuestros sentimientos personales y asuntos privados a una galería de arte porque debemos tratar de interpretar la obra de arte objetivamente y de una manera correcta. Explorando lo que él llama fuka, un término que apunta a una sensación de suspenso, riesgo y presión, Hashimoto interrumpe esta estructura.

En una exposición de arte, los espectadores no solo están influenciados por la obra de arte y el espacio, sino que también están significativamente influenciados por los propios espectadores. Los espectadores no son existencias transparentes en el espacio de la exposición. A veces, son incluso más reales y activos que las obras de arte y tienen la capacidad de causar que algo suceda inadvertidamente. Se puede ir más allá y decir que el espacio existe para instalar espectadores en lugar de obras de arte, y que las obras de arte actúan como asistentes para producir el performance.

Al ofrecer una salida del “arte de lo cotidiano”, las instrucciones y microacciones a veces irracionales de Hashimoto trascienden cualquier frontera libremente, planteando una cuestión a nuestro principio de existencia.



HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau a presentar l’exposició NIGHT-TIME = DARKNESS de l’artista SATOSHI HASHIMOTO. Hashimoto és actualment un dels artistes més “alarmants” de Japó, produint obres d’art en forma de performances, accions i instruccions destinades a induir als espectadors a qüestionar el seu paper en l’experimentació de l’art.

En l’experiència de l’apreciació de l’art, hem adquirit el hàbit de jugar el paper del espectador de l’art, que s’assigna com una part de la estructura de l’artista/obra d’art/espectador. En general, no podem portar els nostres sentiments personals i assumptes privats a una galeria d’art perquè hem de tractar d’interpretar la obra d’art de forma objectiva i d’una manera correcta. Explorant el que ell anomena fuka, un terme que apunta a una sensació de suspens, risc i pressió, Hashimoto interromp aquesta estructura.

En una exposició d’art, els espectadors no només estan influenciats per la obra d’art i l’espai, sinó que també estan significativament influenciats pels propis espectadors. Els espectadors no són existències transparents en el espai de l’exposició. A vegades, són encara més reals i actius que les obres d’art i tenen la capacitat de provocar que alguna cosa passi inadvertidament. Es pot anar més enllà i dir que el espai existeix per instal·lar espectadors en lloc de obres d’art, i que les obres d’art actuen com a assistents per produir l’actuació.

Al oferir una sortida de l'”art del dia a dia”, les instruccions i microaccions a vegades irracionals d’Hashimoto transcendeixen qualsevol frontera lliurement, plantejant una qüestió al nostre principi d’existència.


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DATES: 18.05.2018 – 26.05.2018

18.05 > 18hrs: Preview


四月のある晴れた朝、原宿の裏通りで僕は100パーセントの女の子とすれ違う。 たいして綺麗な女の子ではない。素敵な服を着ているわけでもない。髪の後ろの方には寝ぐせがついたままだし、歳だっておそらくもう三十に近いはずだ。しかし五十メートルも先から僕にはちゃ んとわかっていた。彼女は僕にとっての100パーセントの女の子なのだ。彼女の姿を目にした瞬間から僕の胸は不規則に震え、口の中は 砂漠みたいにカラカラに乾いてしまう。 


One beautiful April morning, on a narrow side street in Tokyo’s fashionable Harujuku neighbourhood, I walked past the 100% perfect girl.

Tell you the truth, she’s not that good-looking. She doesn’t stand out in any way. Her clothes are nothing special. The back of her hair is still bent out of shape from sleep. She isn’t young, either – must be near thirty, not even close to a “girl,” properly speaking. But still, I know from fifty yards away: She’s the 100% perfect girl for me. The moment I see her, there’s a rumbling in my chest, and my mouth is as dry as a desert.

The artist combs through the urban jungle in the wake of Baudelaire’s dandified «flaneur». With a candid camera, he records particularities and curious discoveries, and emerges among the multitude, simultaneously trying to be a part of it. Weiss persistently asks the vital question, what it means that a person, object or building can stand out from an overpowering crowd. For him, it is the continuous fascination to unhinge and isolate someone or something from the crowd—an obscure wave or movement, endlessly volatile—with the purpose of recording it photographically. On his forays, he considers himself a touristy paparazzi which documents snap-shots of the events with his camera. As a voyeur, he constantly conquers images. He considers himself almost criminal because he collects «intimacy», and feels safe in the crowd. Weiss appropriates the picture language of fashion and publicity; he idealises beauty and exalts it to inaccessibility.

In the truest sense of the word «inconceivable», the dimension of Tokyo, with all its facets and contrariness, lets Weiss follow Haruki Murakami’s traces to look for the «100% perfect girl». Snapshots, surprises, mixed with all kinds of contingencies, show a diverse image of women from the metropolis: on one hand, celebrated tradition, on the other, cyberspace allures of maybe fallen angels.



Una preciosa mañana de abril, en una calle lateral del barrio chic de Harujuku en Tokio, me crucé con la chica 100% perfecta.

Te digo la verdad, no es tan guapa. No sobresale de ninguna manera. Su ropa no es nada especial. La parte de atrás de su cabello todavía está aplastada después de haber dormido. Tampoco es joven– debe andar alrededor de los treinta, ni siquiera cerca de lo comúnmente se considera una ‘chica’. Aun así, a cincuenta metros sé que es la chica 100% perfecta para mí. En el momento en que la veo, siento un retumbo en mi pecho, y mi boca se queda tan seca como un desierto.

El artista recorre la jungla urbana en la estela del «flaneur» dandi de Baudelaire. Con una cámara oculta, registra particularidades y descubrimientos curiosos, y emerge entre la multitud, tratando simultáneamente der formar parte de ello. Weiss constantemente hace la pregunta vital, lo que significa que una persona, un objeto o un edificio puedan destacarse de una multitud abrumadora. Para él, es la fascinación constante, desquiciar, aislar a alguien o algo de la multitud, ese saludo indefinible, movimiento, e infinitamente volátil, para finalmente, registrarlo fotográficamente. En sus incursiones, se considera a sí mismo como un paparazzi turístico, que documenta con su cámara, instantáneas de los eventos. Como voyeur, constantemente conquista imágenes. Se considera a sí mismo casi como criminal, porque colecciona la «intimidad» y se siente seguro entre la multitud. Weiss se apropia el lenguaje pictórico de la moda y la publicidad; idealiza la belleza y la exalta a la inaccesibilidad.

En el verdadero sentido de la palabra «inconcebible», la dimensión de Tokio, con todas las facetas y la inconstancia, permite a Weiss seguir las huellas de Haruki Murakami en busca de la «chica 100% perfecta». Instantáneas, sorpresas, mezcladas con todo tipo de contingencias, muestran una imagen diversa de mujeres de la metrópoli: por un lado, la tradición célebre, por el otro lado, actitudes ciberespaciales de ángeles tal vez caídos.



Un preciós matí d’abril, en un carrer lateral del barri chic de Harujuku a Tòquio, em vaig creuar amb la noia 100% perfecta.

Et dic la veritat, no és tan maca. No sobresurt de cap manera. La seva roba no és res especial. La part de darrere del seu cabell encara està aixafada després d’haver dormit. Tampoc és jove- ha d’estar al voltant dels trenta, ni tan sols a prop del que comunment es considera una ‘noia’. Així i tot, a cinquanta metres sé que és la noia 100% perfecta per mi. En el moment en que la veig, sento un retruny en el meu pit, i la meva boca es queda tan seca com un desert.

L’artista recorre la jungla urbana en l’estela del «flaneur» de Baudelaire. Amb una càmera oculta, registra particularitats i descobriments curiosos, i sorgeix entre la multitud, tractant simultàniament formar-ne part. Weiss constantment fa la pregunta vital, què significa que una persona, un objecte o un edifici puguin destacar-se d’una multitud enutjosa. Per a ell, és la fascinació constant, trasbalsar, aïllar algú o alguna cosa de la multitud, aquesta obscura salutació o moviment, infinitament volàtil, per finalment, registrar-ho fotogràficament. En les seves incursions, es considera a ell mateix com un paparazzi turístic, que documenta amb la seva càmera, instantànies dels esdeveniments. Com a voyeur, constantment conquista imatges. Es considera a ell mateix gairebé com un criminal, perquè recopila la «intimitat» i es sent segur entre la multitud. Weiss s’apropia del llenguatge pictòric de la moda i la publicitat; idealitza la bellesa i l’exalta a la inaccessibilitat.

En el veritable sentit de la paraula «inconcebible», la dimensió de Tokio, amb totes les facetes i la inconstància, permet a Weiss seguir les empremtes d’Haruki Murakami en busca de la «100% noia perfecta». Instantànies, sorpreses, barrejades amb tot tipus de contingències, mostren una imatge diversa de dones de la metròpoli: per un costat, la tradició celebrada, per l’altre costat, actituds ciberespacials d’àngels potser caiguts.




22 May 2018


HANS & FRITZ CONTEMPORARY – BARCELONA is pleased to present a performance evening with two happennings arranged by the artist SATOSHI HASHIMOTO for his solo exhibition NIGHT-TIME = DARKNESS.

Hashimoto is currently one of Japan’s most ‘alarming’ artists, producing works of art in the form of performances, actions, and instructions aimed at inducing the viewers’ into questioning their role in experiencing art.In the experience of art appreciation, we have acquired the habit of playing the role of an art viewer, which is allocated as one part of the structure of artist/artwork/viewer.

Hashimoto’s works act like anti-props, seemingly meaningless actions which only reveal themselves fully when one engages with them. The works demand of the viewer a commitment — to time, to play, to incarceration and surrender. The actions offer a way out of an “art of the everyday” by moving into a decidedly Bataillian territory of content without meaning that refuses to accept the “everyday” as a neutral, un-problematic experience. 





15.03.2018 – 27.04.2018


HANS & FRITZ CONTEMPORARY is pleased to present the exhibition MÁQUINA TOTAL by the artist CAMILA CAÑEQUE. As though a hangover caused by the accumulation of layers over the centuries had generated a restless but totally paralyzed environment, the installation presents an obstinate pause from which to question the direction of our accelerating machinery.

On this occasion, the presence of a static body—the main feature of the artist’s performance work—is superseded by objects whose common denominator is also immobility. In front of the neurotic flow of images of today, the collection of works that occupy the space are trapped in the waiting room of a hypothetical present, through the figurative use of abstract-visual vocabulary of our consumerist society. An interior puddle, an archaeological excavation or an impracticable mattress are some of the pieces that occupy this circular time—succumbed to stillness.

The repetitive gesture of passivity merges into a monochromatic environment where works battle between materiality and memory. Nature and artificiality cancel each other out, urban elements coexist with claustrophobia and all the pieces are windows with views of an uninhabitable world.

Thus, inactivity is declared a speculative image of resistance and resignation. And so, discarding the action in the future, the narration of a past that was once active is hidden, until a tedious electronic drone announces its flight.



HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición MÁQUINA TOTAL de la artista CAMILA CAÑEQUE. Como si una resaca provocada por la acumulación de capas a lo largo de los siglos hubiera generado un entorno intranquilo pero totalmente paralizado, la instalación presenta una pausa obstinada desde donde cuestionar el rumbo de nuestra maquinaria acelerada.

En esta ocasión, la presencia de un cuerpo estático -característica principal de la obra performática de la artista- es suplantada por objetos cuyo denominador común es también la inmovilidad. Frente al flujo neurótico de imágenes de hoy, el conjunto de las obras que ocupan el espacio se encuentran atrapadas en la sala de espera de un presente hipotético mediante el uso figurativo del vocabulario abstracto-visual de nuestra sociedad consumista. Un charco interior, una excavación arqueológica o un colchón impracticable son algunas de las piezas que ocupan este tiempo circular – entregado a la quietud.

El gesto repetitivo de la pasividad se funde en un entorno monocromático donde las obras se debaten entre la materialidad y la memoria. Naturaleza y artificialidad se anulan entre sí, los elementos urbanos conviven con la claustrofobia y todas las piezas son ventanas con vistas a un mundo inhabitable.

De este modo, se declara la inactividad como una imagen especulativa de resistencia y resignación. Y así, desechando la acción en el futuro, la narración de un pasado que alguna vez fue activo queda oculta, hasta que un tedioso dron electrónico anuncia su vuelo.



HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau en presentar l’exposició MÁQUINA TOTAL de l’artista CAMILA CAÑEQUE. Com si una ressaca provocada per l’acumulació de capes al llarg dels segles hagués generat un entorn intranquil però totalment paralitzat, la instal·lació presenta una pausa obstinada des d’on qüestionar el rumb de la nostra maquinària accelerada.

En aquesta ocasió, la presència d’un cos estàtic -característica principal de l’obra performàtica de l’artista- és suplantada per objectes el denominador comú és també la immobilitat. Davant del flux neuròtic d’imatges d’avui, el conjunt de les obres que ocupen l’espai es troben atrapades a la sala d’espera d’un present hipotètic mitjançant l’ús figuratiu del vocabulari abstracte-visual de la nostra societat consumista. Un toll interior, una excavació arqueològica o un matalàs impracticable són algunes de les peces que ocupen aquest temps circular – entregat a la quietud.

El gest repetitiu de la passivitat es fon en un entorn monocromàtic on les obres es debaten entre la materialitat i la memòria. Naturalesa i artificialitat s’anul·len entre si, els elements urbans conviuen amb la claustrofòbia i totes les peces són finestres amb vista a un món inhabitable.

D’aquesta manera, es declara la inactivitat com una imatge especulativa de resistència i resignació. I així, rebutjant l’acció en el futur, la narració d’un passat que alguna vegada va ser actiu queda oculta, fins que un tediós dron electrònic anuncia la seva vol.





Happening:  Pig Surgeries
07.02.2018 > 20 – 22hr

08.02.2018 – 08.03.2018

08.02.2018 > 20hr
Performance:  Unstable: The Roots of Vanity
08.02.2018 > 21hr



HANS & FRITZ CONTEMPORARY is pleased to present PLASTIC SURGERY DISASTERS by artist Nayra Martín Reyes. She provides a vivid, satirical exploration of human appearance, simultaneously self-effacing and knowingly morbid.

Disregarding protocol, the artist hacksaws and knifes her way through any sinew of pretence, revealing disturbing truths regarding the nature of vanity and its ever increasing importance in the 21st Century society.

This exploration reveals the artist’s innate disdain for the exploitation of the physical aesthetic, yet keenly aware, and somewhat awed by, its visceral allure. Acknowledging her own inner struggle with the lure of likes, in Pig Surgeries, Nayra welcomes volunteers to join her in performing their own surgery, creating a macabre physical manifestation through the medium of stuffed toys and various rusty cutting tools.

A performance, Unstable: The Roots of Vanity will accompany the project and presents a dystopian and unsettling view of the realm of aesthetic surgery. Is this the artist as a pig or a pig as the artist? The relationship is too close to call, and discomforting to witness. But it’s the truth, distilled as the artist sees it, and is the second in a series of Unstable performances; the first of which was held at the Instituto Cervantes Brussels in November 2017.


HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar PLASTIC SURGERY DISASTERS por la artista Nayra Martín Reyes. Proporciona una exploración vívida y satírica de la apariencia humana, simultáneamente modesta y conscientemente morbosa.

Desechando el protocolo, la artista piratea y apuñala para abrirse paso a cualquier pretexto, revelando verdades perturbadoras sobre la naturaleza de la vanidad y su creciente importancia en la sociedad del siglo XXI.

Esta exploración revela el desdén innato de la artista por la explotación de la estética física, a la vez muy consciente y algo intimidada por su atractivo visceral. Reconociendo su propia lucha interna, en Pig Surgeries, Nayra da la bienvenida a voluntarios para que se unan a ella en la realización de su propia cirugía, creando una manifestación física macabra a través de juguetes de peluche y varias herramientas de corte oxidadas.

La performance, Unstable: The Roots of Vanity acompañará el proyecto, presenta una visión distópica e inquietante del ámbito de la cirugía estética. ¿Es la artista como cerdo o el cerdo como artista? La relación es demasiado cercana para decirlo e incómoda de presenciar. Pero es la verdad, destilada como la ve la artista, y es la segunda de una serie de performances Unstable, la primera de las cuales se celebró en el Instituto Cervantes de Bruselas en noviembre de 2017.


HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau en presentar PLASTIC SURGERY DISASTERS per l’artista Nayra Martín Reyes. Proporciona una exploració vívida i satírica de l’aparença humana, simultàniament modesta i conscientment morbosa.

Rebutjant el protocol, l’artista pirateja i apunyala per obrir-se pas a qualsevol pretext, revelant veritats pertorbadores sobre la naturalesa de la vanitat i la seva creixent importància en la societat del segle XXI.

Aquesta exploració revela el desdeny innat de l’artista per l’explotació de l’estètica física, alhora molt conscient i d’alguna manera intimidada pel seu atractiu visceral. Reconeixent la seva pròpia lluita interna, a Pig Surgeries, Nayra dóna la benvinguda a voluntaris perquè s’uneixin a ella en la realització de la seva pròpia cirurgia, creant una manifestació física macabra a través de joguines de peluix i variades eines de tall rovellades.

La performance, Unstable: The Roots of Vanity acompanyarà el projecte, presenta una visió distòpica i inquietant de l’àmbit de la cirurgia estètica. És l’artista com a porc o el porc com a artista? La relació és massa propera per dir-ho i incòmode de presenciar. Però es la veritat, destil.lada com la veu l’artista, i és la segona d’una sèrie de performancesUnstable, la primera de les quals es va celebrar a l’Institut Cervantes de Brussel.les al novembre de 2017.

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JANUARY 26, 2018

FINISSAGE PARTY & LIVE MUSIC with The Isolated Cosmic Boys & Sleep Club


HANS & FRITZ CONTEMPORARY is pleased to invite you to the Finissage of the exhibition THE LITTLE MATCH GIRL with a special session of Funk, hip hop, old school soul and modern afro-disco by the ISOLATED COSMIC BOYS & SLEEP CLUB.
A special prize will also be awarded to that evenings highest score at PAC-ART!

HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en invitarles al Finissage de la exposición THE LITTLE MATCH GIRL con una sesión especial de Funk, hip hop, old school soul y afro-disco por parte de los ISOLATED COSMIC BOYS & SLEEP CLUB.
¡Se entregará también un premio especial a quien obtenga la puntuación más alta de la noche en PAC-ART!

HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau en convidar-los al Finissage de l’exposició THE LITTLE MATCH GIRL amb una sessió especial de Funk, hip hop, old school soul i afro-disco per part dels ISOLATED COSMIC BOYS & SLEEP CLUB.
També s’entregarà un premi especial a qui obtingui la puntuació més alta de la nit al PAC-ART!