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THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE

THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE

ARTISTS: TIM BREUKERS, WIETEKE HELDENS

15.06.2017 – 09.09.2017

 

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is glad to present the exhibition THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE by the Dutch artists TIM BREUKERS and WIETEKE HELDENS. 

This is their first duo show together displaying an installation of sculptures, paintings, drawings and video.  The exhibition consists of an interactive experience, where the spectator is revealed important features the artists know about themselves, each other and the friends they have in common.

This artistic bond has its starting point ten years ago in the Hague.  Both artists had individual studio visits with art critic and writer, Philip Peters whom later became a key figure in their careers.  Once again, he will also play an active role in this exhibition. At his office, Philip has a chair that used to be his father´s.  According to him, the chair not only represents his father but is his father. This personal anecdote became the starting point when developing this exhibition.

Magical and intimate coincidences of object and condition reveal a personal journey into their artistic universe.  At first glance, the work of Tim and Wieteke is not personal at all – rather it could be classified as amusing, banal, abstract and conceptual.   But when observed more intimately every work is unique, distinct and profound.

The spectator will be drawn into an intimate bubble the artists have created – carefully unfolding things only Wieteke knows about TIM BREUKERS and things only Tim knows about WIETEKE HELDENS.

Tim Breukers’ work emerges where classical, technically astute sculpting clashes with humour, banality and Jurassic Park. He playfully tries to stretch the boundaries of traditional sculpture, subjecting pop cultural elements to a solemn, sculptural treatment. Tim lives and works in Amsterdam and was resident at the Rijksakademie in Amsterdam and the MMCA in Seoul.

Wieteke Heldens applies her personal experiences and thoughts into abstract concepts; constructing her work accordingly to a self-devised algorithm. She follows self-applied instructions based on an initial arrangement subsequently working towards a desired outcome. An intrinsically personal approach when relating to the complex episodes of the recent contemporary cycles.  Wieteke lives in The Hague and New York and won in 2013 the Royal Dutch Prize for Painting.

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE, de los artistas holandeses TIM BREUKERS y WIETEKE HELDENS.

Ésta, su primera exposición conjunta, muestra una instalación de esculturas, pinturas, dibujos y video. La exposición consiste en una experiencia interactiva, donde al espectador se le revelan características que los artistas conocen de sí mismos, el uno del otro y sobre los amigos que tienen en común.

Este vínculo artístico encuentra su punto de partida hace diez años en La Haya. Ambos artistas recibieron en sus respectivos estudios la visita del crítico de arte y escritor Philip Peters, quien más tarde se convertiría en una figura clave en sus carreras. Una vez más, Philip jugará un papel activo en esta exposición.

En su oficina, Philip tiene una silla que pertenecía su padre. Según él, la silla no sólo lo representa, sino que también es su padre. Esta anécdota personal se convertiría en el punto de partida para el desarrollo de esta exposición.

Coincidencias mágicas e íntimas entre objeto y condición revelan un viaje personal al universo creativo de ambos artistas. A primera vista, la obra de Tim y Wieteke no es personal en absoluto, sino que se podría clasificar de divertida, banal o conceptual. Pero cuando se observa más íntimamente, cada obra es única, personal y profunda.

El espectador se verá atraído hacia una burbuja íntima que han creado – desplegando minuciosamente cosas que sólo Wieteke conoce de TIM BREUKERS y cosas que sólo Tim conoce sobre WIETEKE HELDENS.

El trabajo de Tim Breukers emerge donde la escultura clásica y técnicamente astuta se enfrenta al humor, la banalidad y Jurassic Park. De manera traviesa intenta extender los límites de la escultura tradicional, sometiendo elementos culturales del pop a un tratamiento solemne y plástico. Tim vive y trabaja en Amsterdam y ha sido residente en la Rijksakademie de Amsterdam y la MMCA en Seúl.

Wieteke Heldens plasma sus experiencias y pensamientos en conceptos abstractos; construyen-do así su trabajo de acuerdo a un algoritmo auto-concebido. Sigue instrucciones auto-aplicadas basadas en una disposición inicial y trabajando posteriormente hacia un resultado deseado. Un enfoque intrínsecamente personal para analizar los complejos episodios de los ciclos contemporáneos más recientes. En 2013, Wieteke fue galardonada con el prestigioso premio The Royal Dutch Prize for Painting. Vive y trabaja entre La Haya y Nueva York

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau a presentar l’exposició THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE, dels artistes holandesos TIM BREUKERS i WIETEKE HELDENS.

Aquesta, la seva primera exposició conjunta, mostra una instal·lació d’escultures, pintures, dibuixos i vídeos. L’exposició esdevé una experiència interactiva, on a l’espectador se li descobreix-en característiques que els artistes coneixen de si mateixos, l’un de l’altre i dels amics que tenen en comú.

Aquest vincle artístic troba el seu punt de partida fa deu anys a la Haya. Ambdós artistes van rebre als seus respectius estudis la visita del crític d’art i escriptor Philip Peters, qui més tard es convertiria en una figura clau en les seves carreres. Una vegada més, Philip jugarà un paper actiu en aquesta exposició.A la seva oficina, Philip té una cadira que pertanyia al seu pare. Segons ell, la cadira no solament el representa al seu pare, sinó que també és el seu pare. Aquesta anècdota personal es conver-tiria en el punt de partida per al desenvolupament d’aquesta exposició.

Coincidències màgiques entre objecte i condició anuncien un viatge personal a l’univers creatiu d’ambdós artistes. A primer cop d’ull, l’obra d’en Tim i de la Wieteke no és personal en absolut, sinó que es podria classificar de divertida, banal o conceptual. Però quan s’observa més íntimament, cada obra és única, personal i profunda.L’espectador es veurà atret cap a una bombolla íntima que han creat – desplegant minuciosament coses que només la Wieteke coneix d’en TIM BREUKERS i coses que només en Tim coneix sobre la WIETEKE HELDENS.

L’obra d’en Tim Breukers emergeix on l’escultura clàssica i tècnicament astuta s’enfronta a l’hu-mor, la banalitat i Jurassic Park. De forma entremaliada intenta estendre els límits de l’escultura tradicional, sotmetent elements culturals del pop a un tracte solemne i plàstic. En Tim viu i treballa a Amsterdam i ha estat resident a la Rijksakademie i a la MMCA a Seúl.

La Wietike Heldens plasma les seves experiències i pensaments personals en conceptes abstract-es; construint així la seva obra d’acord a un algoritme auto-concebut. Segueix instruccions auto-aplicades basades en una disposició inicial i treballant posteriorment cap a un resultat desitjat. Un enfocament intrínsecament personal per analitzar els complexos episodis dels cicles contemporanis més recents. El 2013, Wietike va ser guardonada amb el prestigiós premi The Royal Dutch Prize for Painting. Viu i treballa a la Haya i Nova York

Foto credit: © Ariane Noosh Barret 2017

SUBLIMEY

SUBLIMEY

ARTISTS: MARC BADIA, BERNAT DAVIU, LUIS GUERRA

10.05.2017 – 10.06.2017

VERNISSAGE: 10.05.2017 > 19 hr

 

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is glad to present ‘SUBLIMEY’*. An exhibition by the artists MARC BADIA, BERNAT DAVIU and LUIS GUERRA. The three artists will be presenting new works: expanded-paintings on mainstream consumer materials, forcing us to observe and analyse the superficial obsessions to discover the real essence.

An ironical and cynical reflection on seduction and the sublime – an action of aesthetic disobedience, a game of oxymoron’s– pondering on the contemporary temptations and contradictions. Mirages of a discordant reality and the eternal conflict between certain moral and aesthetic goals. The inevitable and vertiginous appeal to the glamorous, the kitsch and the attractive.

Marc Badia’s work develops around themes like seduction, the binomial success / failure within artistic strategies, the conventional and the uncanny. The artist understands his painting practice “not as an act of rebellion, but as the groovy vibes from a bass in a funky song.” Partnering glitters playfulness as a seemingly unconnected element with the concept forces us, the observers to be ample spectators – cosmo-logical investigators to understand the genuine ‘origin of reality’.

Bernat Daviu presents ‘Krabb Horizons’; unique pieces approach the representation of the horizon from a domestic approach. The work is developed upon Ikea’s well-known Krabb mirrors, which many fell into the temptation of buying at their moment of success, fascinated by their irresistible curves and now prudishly sell on the web. By using an object like the mirror, he creates landscapes of confined abstractions and kidnapped contemplations. He imprisons our gaze towards the utopian, revealing the opaque narcissisms and the contemporary ‘ego’ which refuses to cooperate.

Vanity and narcissism are also reflected in Luis Guerra’s work Ekstasis, essay of approximation and aberrancy, which the artist himself describes as “a practice that dangles from the copulation between painting and writing. Painting that inscribes as painting as landscapes. Words that stain. Enduring calligraphy presented by echoes, subtracted reverberations. Falling painting resounding, paint as a secretion, shiny snail trail, viscous substance that protects the surface. The painting falls, writing the unspeakable, immanent intense suspension, slows down the happening of an aberrancy”. The artist presents banner-paintings with intrinsically politic, humorous and ironic notes of reaction and disobedience.

*The title’s origin comes from the sarcastic union between SUBLIME and BLIMEY * BLIMEY: Originally the expression was “Gor ‘blimey” that comes from “God blind me”, curse that was used in the old England. The term is currently used to express surprise or wonder.

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición SUBLIMEY*, con los artistas MARC BADÍA, BERNAT DAVIU y LUIS GUERRA. Los tres artistas nos presentan trabajos inéditos: pinturas “expandidas” sobre materiales del consumismo más mainstream, obligándonos a observar y analizar las obsesiones inmediatas para descubrir lo esencial.

Una reflexión irónica y cínica sobre la seducción y lo sublime – un acto de desobediencia estética, un juego entre oxímorones – reflejo de las contradicciones y seducciones contemporáneas. Un espejismo de una realidad discordante y el eterno conflicto entre determinados objetivos morales y estéticos. La inevitable y vertiginosa atracción hacia lo llamativo, lo kitsch y lo atractivo.

El trabajo de Marc Badia se desarrolla alrededor de temas como la seducción, el binomio éxito / fracaso en las estrategias artísticas, lo convencional y lo uncanny. El artista entiende la pintura “no como un acto de resistencia si no como el Groove de un bajo en un tema funky.” Al utilizar un elemento como la purpurina – aparentemente sin conexión alguna con el concepto de las obras, nos obliga a ser espectadores atentos – investigadores cosmo-lógicos para comprender el genuino ‘origen de la realidad’.

Bernat Daviu presenta ‘Krabb Horizons’, unas piezas que abordan la representación del horizonte desde lo doméstico. La obra nace a partir del conocido espejo Krabb de Ikea, que muchos cayeron en la tentación de comprar en su momento de éxito, fascinados por sus curvas irresistibles y que ahora pudorosamente venden en masa por las redes. Al utilizar un objeto como el espejo, crea paisajes de abstracciones recluidas y contemplaciones secuestradas. Aprisiona nuestra mirada hacia lo utópico, dando reflejo al egocentrismo y el narcisismo opaco del ‘yo’ contemporáneo que se niega a cooperar.

Vanidad y narcisismo se reflejan también en el trabajo de Luis Guerra, ‘Ekstasis, ensayo de aproximación y aberrancia’, que el mismo artista describe como “una práctica que oscila en la cópula pintura-escritura. Pintura que letra como pintura paisajes. Palabras que manchan. Caligrafía que restancia se presenta mediante ecos, reverberancias sustraídas. Resonancias de la caída de la pintura, pintura como secreción, rastro brillante de caracol, sustancia viscosa que tiene por objeto la protección de la superficie. Cae la pintura, escribe lo indecible, inmanente suspensión intensa, ralentiza la ocurrencia de una aberrancia”. El artista nos presenta pinturas-banner, que lleva intrínseco en su formato notas de reacción y desobediencia en lo político, humorístico e irónico.

*El título nace de la unión sarcástica entre SUBLIME y BLIMEY*BLIMEY: Originalmente el término completo era “Gor’ blimey” que viene de “God blind me”, maldición que se utilizaba mucho en la antigua Inglaterra. El termino se usa actualmente para expresar sorpresa o maravilla y se puede traducir al castellano con la expresión Caray!

 

LOOP FESTIVAL

LOOP FESTIVAL

SCREENING 23.05.2017 > 20 – 22 hr

SFW (2004). Single-channel, 8 min. without sound
ARTIST: KATJA BJØRN
18.05.2017 – 27.06.2017

Museums are increasingly incorporating moving image based productions in their collections, while new art institutions exclusively devoted to the research, exhibition and conservation of artist films and videos are emerging. The exhibition space gives a filmmaker the chance to experiment with times and formats beyond the limits traditionally imposed by the movie theatre: short or unlimited duration; multiscreen projections; or unusual exploration of certain technical means; etc. Thus, the inclusion of cinema in the museum / gallery space, represents a twofold possibility: one of openness of the practice, and one of criticism of the historical narratives and its means of representation.

At LOOP BARCELONA | CITY SCREEN we will be presenting the video ‘SFW’ (2004) by the Danish artist KATJA BJØRN; ‘SFW’ is a black and white video depicting a woman’s bizarre entertainment play in which she puts matches up her nose with her tongue. The seemingly innocent trick is presented without enthusiasm. The woman’s unimpressed facial expression is marked by boredom, gloom and indifference. The beholder is not a witness to a humoristic performance but a peculiar repeated escapism. The artwork plays on the beholder-artist relation and the voyeurism of the beholder, when the beholders own emotions are brought into the game and are challenged whilst it becomes clear that the woman’s almost obsessive actions seem to continue in a loop.

Katja Bjørn is a Danish artist working with videosculpture. The starting point of the artists work has always been the investigation of the expression of the sculpture. Especially interesting to Katja Bjørn is the sculptures relationship to the human body.

NOVA ZEMBLA in BIKINI

NOVA ZEMBLA in BIKINI

ARTISTS: ERICH WEISS and NILS NOVA

30.03.2017 – 06.05.2017

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is glad to present NOVA ZEMBLA in BIKINI.   A duo exhibition by the artists ERICH WEISS (Barcelona / born in Belgium, 1966) and NILS NOVA (Luzern- Switzerland / born in El Salvador, 1968).  An experimental adventure, a work in progress, involving music, painting, sculpture, video, photography, performance… 

The title is a word-play with the family name of one of the artists and to the famous islands NOVA ZEMBLA and BIKINI.  Both locations are famous for being the most emblematic test-sites of atomic weapons during the Cold War.

NOVA ZEMBLA is a small island where a group of Dutch explorers stranded in 1597; later it became a Russian military and strategical site, where in 1961 the famous ‘Tsar Bomb’ was tested.   The ‘Tsar Bomb’ is the Western nickname for the Soviet RDS-220 hydrogen bomb (code name ‘Ivan’ or ‘Vanya’, the most powerful weapon ever detonated. It’s test on October 30, 1961 remains the most powerful human-made explosion in history.

The BIKINI Islands were also used for similar purposes.  The nuclear testing (the Bikini Atoll program) was a series of 23 nuclear devices detonated by the United States between 1946 and 1958 at seven test sites on the reef itself, on the sea, in the air and underwater. The test weapons produced a combined fission yield of 42,2 Mt of explosive power.

With this title, the artists pretend to ironically warn the public before entering the exhibition at Hans & Fritz Contemporary.

 

This is not the first time these two artists collaborate: recently they participated in shows and events at Museo Experimental El Eco – Mexico, in Schunck* Galaspaleis Heerlen (NL) or at The New Institute in Rotterdam.

Nils Nova’s work is based on a subtle use of images – using a wide range of media: photography, video, painting, performance.  One of the main themes of his art is his obsession with the ‘déjà-vu’, ‘mirroring’ and the `trompe l’oeil’.  Very often he refers to art history, film or architecture in his works.

Erich Weiss is known for his often-provocative performances (including music and dance) but also for a contemporary body of work (installation, film, video and photography) focussing on the romantic myth of the ‘femme fatale’.  He combines his work as an artist with an activity as curator, specialising on the mixture of contemporary art, dada and surrealism.     

 

VERNISSAGE: 30.03.2017 > 19hr

30.03.2017 – 06.05.2017

HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar NOVA ZEMBLA IN BIKINI.  Una exposición a dúo de los artistas ERICH WEISS (Barcelona / nacido en Bélgica, 1966) y NILS NOVA (Lucerna- Suiza / nacido en El Salvador, 1968).  Una aventura experimental, un trabajo en proceso, que involucra música, pintura, escultura, fotografía, video y performance. 

El título de la exposición pretende ser un juego de palabras en referencia al apellido de uno de los artistas, pero al mismo tiempo se refiere a la isla NOVA ZEMBLA y las islas BIKINI. Ambas famosas por ser los lugares más emblemáticos para las pruebas nucleares realizadas durante la Guerra Fría.

NOVA ZEMBLA es una pequeña isla donde un grupo de exploradores holandeses quedaron varados en 1597 y posteriormente se convirtió en una estratégica base militar rusa, dando lugar en 1961 a la detonación de la famosa ‘Bomba del Zar’. ‘La Bomba del Zar’ es el nombre occidental de la bomba de hidrogeno soviética RDS-20 (nombre en código ‘Ivan’ o ‘Vanya’).  Su detonación, el 30 de octubre de 1961, queda como la explosión más poderosa de la historia provocada por los humanos.

Las islas BIKINI también se utilizaron con fines militares.  Las pruebas nucleares (el programa ‘Bikini Atoll’) fue una serie de 23 dispositivos nucleares detonados por Estados Unidos entre 1946 y 1958 en siete emplazamientos distintos dentro del mismo arrecife, tanto en mar, aire y bajo el agua.  Las detonaciones produjeron un rendimiento de fisión combinado de 42,2 Mt de potencia explosiva.

Mediante éste título, los artistas irónicamente pretenden advertir al público al visitar la exposición en Hans & Fritz Contemporary.

 

No es la primera vez que los dos artistas colaboran: han participado recientemente en exposiciones y eventos como en el Museo Experimental El Eco – Mexico, en Schunck* Galaspaleis Heerlen (NL) o en The New Institute de Rotterdam.

El trabajo de Nils Nova se basa en una sutil manipulación de imágenes mediante una amplia gama de medios como la fotografía, pintura o la performance. Uno de sus principales elementos de investigación en su trabajo es su obsesión por los ‘dejá-vú’, ‘mirroring’ o el ‘trompe l’oeil’. En sus obras hace referencia muy a menudo a la historia del arte, el cine y a la arquitectura.

Erich Weiss es reconocido por sus provocativas performances (que incluyen música y danza) así como por un cuerpo de trabajo contemporáneo (instalaciones, películas, videos y fotografías) que se enfoca en el mito romántico de la ‘femme fatale’. Combina su trabajo como artista con la actividad de comisario, especializado en la mezcla ente arte contemporáneo, dada y surrealismo.

 

Foto credit: © Ana Agraz 2017

CLUSTERFUCK

CLUSTERFUCK

ARTIST: JONAS LIVERÖD (SWE)

EXHIBITION:  19.01.2017 – 10.03.2017

CONSTRUCTION: 12.01.2017 – 18.01.2017 > 19 – 21 hrs

VERNISSAGE: 19.01.2017 > 19 – 22 hrs

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is glad to present the solo exhibition CLUSTERFUCK by the Swedish artist Jonas Liveröd.  Almost fifteen years after he left his studio at Hangar (Artistic research and Production Center) he returns to Barcelona with the construction of a complex on-site kaleidoscopic and seductive sculpture called “The Clusterfuck”.

CLUSTERFUCK (term / expression) — “Military term for an operation in which multiple things have gone wrong. Related to “SNAFU” (Situation Normal, All Fucked Up”) and “FUBAR” (Fucked Up Beyond All Repair). In radio communication or polite conversation, the term clusterfuck will often be replaced by the NATO phonetic acronym “Charlie Foxtrot”. Today, clusterfuck is commonly used to descriptively generalize any situation with a large scale of disarray.”

“Grand Assembly”, Jonas Liveröd’s new encyclopaedia (release in 2017)

Equal parts sculpture and mind-machine, Liveröds brainchild echoes the ideas of the Deus ex Machina and Richard Wagner’s attempts at a Gesamtkunstwerk as well as the world’s first imagined mind-control machine, the XVIII-century “Air Loom” by James Tilly Matthews.

The “Air loom” was a fully detailed machine, described by the first fully documented patient of paranoid schizophrenia, James Tilly Matthews while committed to the Bedlam mental hospital in London in 1797. According to Matthews it was a terrifying machine whose mesmeric rays and mysterious gases were brainwashing politicians and plunging Europe into revolution, terror, and war.  The belief that a secretly operated device is acting at a distance to control the victims mind and body is quite common today, but for all paranoiacs, James Tilly Matthews is – patient zero.

Deus ex Machina is commonly known as “god from the machine”. The term has evolved today to mean a plot device within a story, whereby a seemingly unsolvable problem is suddenly resolved by the inspired and unexpected intervention of some new event, character, ability or object.

As the third ingredient in this crammed space we find Richard Wagner’s fin de siècle attempts at a Gesamtkunstwerk – “a total work of art” that would hit all senses at once, sound, sight, smell and touch.

Liveröd gives us a whole spectra of possibilities for interpretation, among the key words he mentions is absurdity, vanity, sexuality, hubris, sculpture and failure. He mentions that this is not a work of conviction and progress but of doubt and questioning, of  despair and wonder. And the answer, we hope and aim, will remain elusive; there will be no lessons learnt or taught, only contagious inquiry into the messy machinery of human nature.

Considering the process as important as the final result we will find the actual construction process becoming part of this sensual experience.  The development of the CLUSTERFUCK can be followed by the audience on a daily basis, as the gallery will be open to visitors during the build-up of the show.

 

CONSTRUCCIÓN: 12.01.2017 – 18.01.2017 > 19 – 21 hrs

VERNISSAGE: 19.01.2017 > 19 – 22 hrs

EXPOSICIÓN: 19.01.2017 – 10.03.2017

HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición individual CLUSTERFUCK del artista sueco Jonas Liveröd.  Casi quince años tras abandonar su estudio en Hangar (Centro de Investigación y Producción Artística) regresa a Barcelona con la construcción `site-specific´ de una escultura caleidoscópica y seductora llamada “The Clusterfuck”.

CLUSTERFUCK (término / expresión) – “Término militar utilizado para designar una operación en la que varias cosas han ido mal. Relacionado con “SNAFU” (Situation Normal, All Fucked Up”) y “FUBAR” (Fucked Up Beyond All Repair). En la comunicación por radio o en una conversación cortés, el término “clusterfuck” suele ser reemplazado por el acrónimo fonético de  la OTAN “Charlie Foxtrot”. Hoy en día, clusterfuck se utiliza comúnmente para generalizar descriptivamente cualquier situación con una gran escala de desorden.”

Grand Assembly, nueva enciclopedia de Jonas Liveröd (publicación en 2017)

Escultura y máquina-mental a partes iguales, la creación de Liveröd se hace eco de las ideas de Deus ex Machina y las tentativas de Richard Wagner en una Gesamtkunstwerk, así como la primera máquina de control mental imaginada del mundo, “Air Loom” de James Tilly Matthews, en el siglo XVIII.

El “Air Loom” era una máquina totalmente detallada, descrita por el primer paciente de esquizofrenia paranoica completamente documentado, James Tilly Matthews confinado en el hospital mental de Bedlam en Londres en 1797. Según Matthews era una máquina aterrorizante cuyos rayos mesmerianos y misteriosos gases lavaban el cerebro a los políticos y sumían a Europa en la revolución, el terror y la guerra. La creencia de que un dispositivo operado secretamente está actuando a distancia para controlar la mente y el cuerpo de sus victimas es bastante común hoy en día, pero para todos los paranoicos, James Tilly Matthews es el paciente cero.

Deus ex Machina es conocido comúnmente como “dios de la máquina”. El término ha evolucionado hasta hoy que significa un dispositivo de trama dentro de una historia, por lo que un problema aparentemente insoluble se resuelve de repente por la intervención inspirada e inesperada de algún nuevo evento, personaje, habilidad o objeto.

Como tercer ingrediente en este espacio abarrotado encontramos los intentos de Richard Wagner en un Gesamtkunstwerk – “una obra de arte total” que afectaría a todos los sentidos a la vez, el sonido, la vista, el olfato y el tacto.

Considerando el proceso tan importante como el resultado final y convirtiéndose en parte de esta experiencia sensorial, el desarrollo del CLUSTERFUCK podrá seguirse diariamente, ya que la galería estará abierta a los visitantes durante su construcción.

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THE WINTERS TALE

THE WINTERS TALE

12.12.2016 – 10.01.2016

Artists:  LILIBETH CUENCA RASMUSSEN, JEANNETTE EHLERS, JONAS LIVERÖD, LIDÓ RICO, HUGO ORLANDINI, KATJA BJØRN, ERIK MARC TRENSIG, ANA ÁLVAREZ-ERRECALDE, OSKAR NILSSON, ÁLVARO MARTÍNEZ-ALONSO, MIKE SWANEY, JONATAN CARRANZA SOJO, MARÍA MAGGI

 

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY presents the group exhibition THE WINTER’S TALE embracing the darkness and the mystery owned by the gloomy fantasies of the Grimm brothers. Brushstrokes of satirical dark humour proper to The Adams family or Tim Burton’s, The Nightmare Before Christmas.

A Christmas tale of darkness…obscure fairy tales, dreary forests and gritty rooms investigating into the uncanny, uncomfortable, uneasy and ominous. Paintings, sculptures, installations, videos, photography and drawings… where fallen angels, scarecrows and other strange beings predominate the void of penitence in this dystopian dark landscape.

The continuum of the presence of mystery in the art of the late twentieth century reaches its greatest relevance in the 80s and 90s, driven by an existential strangeness. As an example, in the seventh art we have David Lynch, Tim Burton or the Coen brothers which characters are presented in strange circumstances, aspire to understand the absurd and unpredictable world where they live. We could also use as a reference the exhibition Mike Kelley: The Uncanny at the Tate Liverpool and Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien in Vienna; Or The Cremaster Cycle by Matthew Barney at the Ludwig Museum in Cologne, the Musée d’Art Modern de la Ville de Paris and the Solomon R. Guggenheim Museum in New York in 2002.

Looking at the ominous developments in the field of terrorism, artificial intelligence, global warming, presidential elections in the US, the dark and mysterious has again won a place in contemporary art. It is therefore imperative at this current time to dedicate an exhibition to this theme. To show our time as it has become; a time which, while clinging to its rigid conception of life, drives us towards the death it denies. A life where people are driven by a yearning to escape the fundamental conditions of human existence, to a world where the living life and the other’s gaze no longer is present.

The selected pieces depict the essence of the uncanny, without coming up in need of a context. The work speaks for itself. In some cases, the work evokes vague memories of desolate empty landscapes and dark ominous forests, in other cases it acts as a catharsis – one part of a larger process. Art that stimulates and encourages reflection.

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY presenta la exposición colectiva THE WINTER’S TALE (El Cuento de Invierno) abarcando la oscuridad y el misterio propios de las tétricas fantasías de los hermanos Grimm. Pinceladas de humor negro, satírico e inefable propios de La familia Adams o Pesadilla antes de Navidad de Tim Burton.

Un cuento de una Navidad oscura… cuentos de hadas, bosques sombríos y habitaciones polvorientas, ahondando en lo misterioso, incómodo, inquieto y siniestro. Pinturas, esculturas, instalaciones, vídeos, fotografía y dibujos donde ángeles caídos, espantapájaros y otros seres extraños predominan el vacío de penitencia en este oscuro paisaje distópico.

El continuum de la presencia del misterio en el arte de finales del siglo XX alcanza su mayor relevancia en las décadas de los 80 y 90, impulsada por una extrañeza existencial. Como ejemplo en el séptimo arte tenemos a David Lynch, Tim Burton o a los hermanos Coen con sus personajes que, presentados en extrañas circunstancias, aspiran a comprender el mundo absurdo e impredecible en el que viven. También podríamos utilizar como referencia la exposición Mike Kelley (1993) en el Park Sonsbeek en Arnhem o The cremaster cycle de Matthew Barney en el Guggenheim de New York (2002).

Mirando los acontecimientos siniestros en el campo del terrorismo, la inteligencia artificial, el calentamiento global, las elecciones presidenciales en los Estados Unidos, lo oscuro y misterioso ha vuelto a ganar un lugar predominante en el arte contemporáneo. Por ello, en éste momento es imprescindible dedicar una exposición a este tema. Para mostrar nuestro tiempo en lo que se ha convertido; un tiempo que aferrado a su rígida concepción de la vida nos conduce hacia esa muerte denegada. Una vida donde la gente es impulsada por un anhelo de escapar de las condiciones fundamentales de la existencia humana. A un mundo donde la vida misma y la mirada del otro ya no está presente.

Las piezas seleccionadas representan la esencia de lo extraño, sin llegar a la necesidad del contexto. Los trabajos hablan por sí mismos. En algunos casos, la obra evoca vagos recuerdos de paisajes vacíos desolados y oscuros bosques ominosos, en otros casos actúa como una catarsis – una parte de un proceso más grande. Arte que estimula y fomenta la reflexión.