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THE LITTLE MATCH GIRL

THE LITTLE MATCH GIRL

30.11.2017 – 26.01.2018

ARTISTS:  MARC BADÍA, NATALIA CARMINATI, BARBARA DAVI, ROMAIN DEMONGEOT, WIETEKE HELDENS, LIDÓ RICO, NAYRA MARTÍN REYES, JAN MONCLÚS, DANI MONTLLEÓ, NILS NOVA, VANESSA PEY, ZUZANA PUSTAIOVA, TERE RECARENS, ELENA DEL RIVERO, FREDERIK VAN SIMAEY & ERICH WEISS

 

 

(ENG)  HANS & FRITZ CONTEMPORARY is pleased to present THE LITTLE MATCH GIRL. Inspired by the H.C. Andersen’s short story from 1848, the winter group exhibition lights up the matches to warm ourselves and in their glow, imagine visions brightening the often-dark windows to the soul. 

Written nine years after Andersen’s friend and colleague Charles Dickens finished Oliver Twist, The Little Match Girl shed a light upon a very oppressed and silent group in Europe — its children. The tale spoke out for exploited children sent by their parents to beg in the streets and for children of all economic brackets – living at the time when one out of every two children routinely died before the age of five.

As thousands of children and their families have fled the war-torn middle-eastern countries, the imagery of The Little Match Girl is all too real.  Like the story, many people are content to ignore their suffering to preserve their own life.  Whether it is a hoarding of resources, a fear of those who are different, or a misguided desire to preserve safety; there are people turning their backs on those in need.

THE LITTLE MATCH GIRL is walking through Europe right now and we have the power to change the ending of her story.  We can give these children a real happy ending if we have the courage to listen to a different storyteller.

Looking out upon the world’s busy life each one of the artists plays their individual part towards a collective vision through leisure and the absurd.  Not only of rejoicing but through reflections on time-based accumulated meanings and rhizomatic elements.  An exhibition, where leisure has more to do more with time, space and thought rather than consumption as amusement.  Closer to re-interpret Marx, Nietzsche, Lewis Carol or Artaud as cathartic parallel criticisms stimulating and encouraging self-reflection; aiming deep into the hearts lighting up a flame of hope.

 

(ESP)  HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar THE LITTLE MATCH GIRL. Inspirada por el cuento de H.C. Andersen de 1848, la exposición colectiva de invierno prende las cerillas para calentarnos y en su brillo imaginar visiones que alumbran las a menudo oscuras ventanas del alma.

Escrito nueve años después de que el amigo y colega de Andersen, Charles Dickens, terminara con Oliver Twist, La pequeña cerillera arrojó luz sobre un grupo muy oprimido y silencioso en Europa: sus hijos. El cuento habló por los niños explotados enviados por sus padres para mendigar en las calles y por los niños de todos los niveles sociales, viviendo en el momento en que uno de cada dos niños moría antes de los cinco años.

Mientras miles de niños y sus familias han huido de los países del Medio Oriente devastados por la guerra, las imágenes de La pequeña cerillera son demasiado reales. Al igual que el cuento, muchas personas se contentan con ignorar su sufrimiento para preservar su propia existencia.  Como si se trata de un atesoramiento de recursos, el miedo a los que son diferentes o un deseo equivocado de preservar la seguridad; hay gente dando la espalda a los necesitados.

THE LITTLE MATCH GIRL está caminando en este momento por Europa y tenemos el poder de cambiar el final de su historia.  Podemos darles a estos niños un final feliz real si tenemos el valor para escuchar a un narrador diferente.

Al observar la vida ocupada del mundo, cada uno de los artistas juega su papel individual hacia una visión colectiva a través del ocio y el absurdo. No solo de regocijo sino a través de reflexiones sobre los significados acumulados en el tiempo y los elementos rizomáticos. Una exposición, donde el ocio tiene más que ver con el tiempo, el espacio y el pensamiento que con el consumo como ocio. Más cerca de re-interpretar a Marx, Nietzsche, Lewis Carol o Artaud como críticas catárticas paralelas que estimulan y fomentan la autorreflexión; apuntando profundamente en el corazón iluminando una llama a la esperanza.

 

(CAT)  HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau a presentar THE LITTLE MATCH GIRL. Inspirada pel conte de H. C. Andersen de 1848, l’exposició col·lectiva d’hivern encén els llumins per escalfar-nos i en la seva llum imaginar visions que enlluernen les, sovint fosquesfinestres de l’ànima.  

Escrit nou anys després que Charles Dickens, amic i col·lega d’Andersen, completés Oliver TwistThe Little Match Girl abocà llum a un grup molt oprimit i silenciós a Europa – els seus infants. El conte alçà la veu pels nens explotats que eren enviats pels seus pares a pidolar als carrers i pels nens de tots els nivells socials – vivint en un moment en què un de cada dos moria abans de complir cinc anys.  

Mentre milers de nens i les seves families han fugit de països d’Orient Mitjà devastats per la guerra, les imatges que crea The Little Match Girl són massa reals. Com en el conte, molta gent es contenta ignorant el seu patiment per preservar la pròpia existència. Tant si es tracta d’un atresorament de recursos, la por a qui és diferent o un erroni desig de mantenir la seguretat, hi ha gent que gira l’esquena a persones necessitades.  

THE LITTLE MATCH GIRL està caminant en aquest moment per Europa i tenim el poder de canviar el final de la seva història. Podem donar-los a aquests infants un final feliç real si tenim el valor d’escoltar a un narrador diferent.  

A l’observar la vida ocupada del món, cada artista juga un paper individual cap a una visió col·lectiva a través de l’oci i l’absurd. No només amb el plaer, sinó també mitjançant reflexions sobre els significats acumulats en el temps i els elements rizomàtics. Una exposició on l’oci té més a veure amb el temps, l’espai i el pensament que amb el consum com a oci. Prop de reinterpretar a Marx, Nietzsche, Lewis Carol o Artaud com crítiques catàrtiques paral·leles que estimulen i promouen l’autorreflexió; apuntant al cor per encendre una llum d’esperança.  

Fotos:  Raquel Rojas Costa

D’ICI À ICI

D’ICI À ICI

ARTIST: TERE RECARENS

21.09.2017 – 23.11.2017

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is pleased to present the exhibition D’Ici à Ici, by the artist TERE RECARENS.  Her work is profiled as a process of documentation of her own life, a collection of minimal and accidental testimonies where it is practically impossible to appreciate the border between art and life.

HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición D’Ici à Ici, de la artista TERE RECARENS.  Su obra perfilada como un proceso de documentación de la propia vida, una colección de testimonios mínimos y accidentales donde resulta prácticamente imposible apreciar la frontera entre vida y arte.

HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau a presentar l’exposició D’Ici à Ici, de l’artista catalana TERE RECARENS. La seva obra, perfilada com un procés de documentació de la pròpia vida, una col·lecció de testimonis mínims i accidentals on resulta pràcticament impossible apreciar la frontera entre vida i art.

Foto credit:  Ana Agraz

 

THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE

THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE

ARTISTS: TIM BREUKERS, WIETEKE HELDENS

15.06.2017 – 09.09.2017

 

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is glad to present the exhibition THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE by the Dutch artists TIM BREUKERS and WIETEKE HELDENS. 

This is their first duo show together displaying an installation of sculptures, paintings, drawings and video.  The exhibition consists of an interactive experience, where the spectator is revealed important features the artists know about themselves, each other and the friends they have in common.

This artistic bond has its starting point ten years ago in the Hague.  Both artists had individual studio visits with art critic and writer, Philip Peters whom later became a key figure in their careers.  Once again, he will also play an active role in this exhibition. At his office, Philip has a chair that used to be his father´s.  According to him, the chair not only represents his father but is his father. This personal anecdote became the starting point when developing this exhibition.

Magical and intimate coincidences of object and condition reveal a personal journey into their artistic universe.  At first glance, the work of Tim and Wieteke is not personal at all – rather it could be classified as amusing, banal, abstract and conceptual.   But when observed more intimately every work is unique, distinct and profound.

The spectator will be drawn into an intimate bubble the artists have created – carefully unfolding things only Wieteke knows about TIM BREUKERS and things only Tim knows about WIETEKE HELDENS.

Tim Breukers’ work emerges where classical, technically astute sculpting clashes with humour, banality and Jurassic Park. He playfully tries to stretch the boundaries of traditional sculpture, subjecting pop cultural elements to a solemn, sculptural treatment. Tim lives and works in Amsterdam and was resident at the Rijksakademie in Amsterdam and the MMCA in Seoul.

Wieteke Heldens applies her personal experiences and thoughts into abstract concepts; constructing her work accordingly to a self-devised algorithm. She follows self-applied instructions based on an initial arrangement subsequently working towards a desired outcome. An intrinsically personal approach when relating to the complex episodes of the recent contemporary cycles.  Wieteke lives in The Hague and New York and won in 2013 the Royal Dutch Prize for Painting.

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE, de los artistas holandeses TIM BREUKERS y WIETEKE HELDENS.

Ésta, su primera exposición conjunta, muestra una instalación de esculturas, pinturas, dibujos y video. La exposición consiste en una experiencia interactiva, donde al espectador se le revelan características que los artistas conocen de sí mismos, el uno del otro y sobre los amigos que tienen en común.

Este vínculo artístico encuentra su punto de partida hace diez años en La Haya. Ambos artistas recibieron en sus respectivos estudios la visita del crítico de arte y escritor Philip Peters, quien más tarde se convertiría en una figura clave en sus carreras. Una vez más, Philip jugará un papel activo en esta exposición.

En su oficina, Philip tiene una silla que pertenecía su padre. Según él, la silla no sólo lo representa, sino que también es su padre. Esta anécdota personal se convertiría en el punto de partida para el desarrollo de esta exposición.

Coincidencias mágicas e íntimas entre objeto y condición revelan un viaje personal al universo creativo de ambos artistas. A primera vista, la obra de Tim y Wieteke no es personal en absoluto, sino que se podría clasificar de divertida, banal o conceptual. Pero cuando se observa más íntimamente, cada obra es única, personal y profunda.

El espectador se verá atraído hacia una burbuja íntima que han creado – desplegando minuciosamente cosas que sólo Wieteke conoce de TIM BREUKERS y cosas que sólo Tim conoce sobre WIETEKE HELDENS.

El trabajo de Tim Breukers emerge donde la escultura clásica y técnicamente astuta se enfrenta al humor, la banalidad y Jurassic Park. De manera traviesa intenta extender los límites de la escultura tradicional, sometiendo elementos culturales del pop a un tratamiento solemne y plástico. Tim vive y trabaja en Amsterdam y ha sido residente en la Rijksakademie de Amsterdam y la MMCA en Seúl.

Wieteke Heldens plasma sus experiencias y pensamientos en conceptos abstractos; construyen-do así su trabajo de acuerdo a un algoritmo auto-concebido. Sigue instrucciones auto-aplicadas basadas en una disposición inicial y trabajando posteriormente hacia un resultado deseado. Un enfoque intrínsecamente personal para analizar los complejos episodios de los ciclos contemporáneos más recientes. En 2013, Wieteke fue galardonada con el prestigioso premio The Royal Dutch Prize for Painting. Vive y trabaja entre La Haya y Nueva York

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY es complau a presentar l’exposició THINGS ONLY I KNOW ABOUT TIM / THINGS ONLY I KNOW ABOUT WIETEKE, dels artistes holandesos TIM BREUKERS i WIETEKE HELDENS.

Aquesta, la seva primera exposició conjunta, mostra una instal·lació d’escultures, pintures, dibuixos i vídeos. L’exposició esdevé una experiència interactiva, on a l’espectador se li descobreix-en característiques que els artistes coneixen de si mateixos, l’un de l’altre i dels amics que tenen en comú.

Aquest vincle artístic troba el seu punt de partida fa deu anys a la Haya. Ambdós artistes van rebre als seus respectius estudis la visita del crític d’art i escriptor Philip Peters, qui més tard es convertiria en una figura clau en les seves carreres. Una vegada més, Philip jugarà un paper actiu en aquesta exposició.A la seva oficina, Philip té una cadira que pertanyia al seu pare. Segons ell, la cadira no solament el representa al seu pare, sinó que també és el seu pare. Aquesta anècdota personal es conver-tiria en el punt de partida per al desenvolupament d’aquesta exposició.

Coincidències màgiques entre objecte i condició anuncien un viatge personal a l’univers creatiu d’ambdós artistes. A primer cop d’ull, l’obra d’en Tim i de la Wieteke no és personal en absolut, sinó que es podria classificar de divertida, banal o conceptual. Però quan s’observa més íntimament, cada obra és única, personal i profunda.L’espectador es veurà atret cap a una bombolla íntima que han creat – desplegant minuciosament coses que només la Wieteke coneix d’en TIM BREUKERS i coses que només en Tim coneix sobre la WIETEKE HELDENS.

L’obra d’en Tim Breukers emergeix on l’escultura clàssica i tècnicament astuta s’enfronta a l’hu-mor, la banalitat i Jurassic Park. De forma entremaliada intenta estendre els límits de l’escultura tradicional, sotmetent elements culturals del pop a un tracte solemne i plàstic. En Tim viu i treballa a Amsterdam i ha estat resident a la Rijksakademie i a la MMCA a Seúl.

La Wietike Heldens plasma les seves experiències i pensaments personals en conceptes abstract-es; construint així la seva obra d’acord a un algoritme auto-concebut. Segueix instruccions auto-aplicades basades en una disposició inicial i treballant posteriorment cap a un resultat desitjat. Un enfocament intrínsecament personal per analitzar els complexos episodis dels cicles contemporanis més recents. El 2013, Wietike va ser guardonada amb el prestigiós premi The Royal Dutch Prize for Painting. Viu i treballa a la Haya i Nova York

Foto credit: © Ariane Noosh Barret 2017

SUBLIMEY

SUBLIMEY

ARTISTS: MARC BADIA, BERNAT DAVIU, LUIS GUERRA

10.05.2017 – 10.06.2017

VERNISSAGE: 10.05.2017 > 19 hr

 

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is glad to present ‘SUBLIMEY’*. An exhibition by the artists MARC BADIA, BERNAT DAVIU and LUIS GUERRA. The three artists will be presenting new works: expanded-paintings on mainstream consumer materials, forcing us to observe and analyse the superficial obsessions to discover the real essence.

An ironical and cynical reflection on seduction and the sublime – an action of aesthetic disobedience, a game of oxymoron’s– pondering on the contemporary temptations and contradictions. Mirages of a discordant reality and the eternal conflict between certain moral and aesthetic goals. The inevitable and vertiginous appeal to the glamorous, the kitsch and the attractive.

Marc Badia’s work develops around themes like seduction, the binomial success / failure within artistic strategies, the conventional and the uncanny. The artist understands his painting practice “not as an act of rebellion, but as the groovy vibes from a bass in a funky song.” Partnering glitters playfulness as a seemingly unconnected element with the concept forces us, the observers to be ample spectators – cosmo-logical investigators to understand the genuine ‘origin of reality’.

Bernat Daviu presents ‘Krabb Horizons’; unique pieces approach the representation of the horizon from a domestic approach. The work is developed upon Ikea’s well-known Krabb mirrors, which many fell into the temptation of buying at their moment of success, fascinated by their irresistible curves and now prudishly sell on the web. By using an object like the mirror, he creates landscapes of confined abstractions and kidnapped contemplations. He imprisons our gaze towards the utopian, revealing the opaque narcissisms and the contemporary ‘ego’ which refuses to cooperate.

Vanity and narcissism are also reflected in Luis Guerra’s work Ekstasis, essay of approximation and aberrancy, which the artist himself describes as “a practice that dangles from the copulation between painting and writing. Painting that inscribes as painting as landscapes. Words that stain. Enduring calligraphy presented by echoes, subtracted reverberations. Falling painting resounding, paint as a secretion, shiny snail trail, viscous substance that protects the surface. The painting falls, writing the unspeakable, immanent intense suspension, slows down the happening of an aberrancy”. The artist presents banner-paintings with intrinsically politic, humorous and ironic notes of reaction and disobedience.

*The title’s origin comes from the sarcastic union between SUBLIME and BLIMEY * BLIMEY: Originally the expression was “Gor ‘blimey” that comes from “God blind me”, curse that was used in the old England. The term is currently used to express surprise or wonder.

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar la exposición SUBLIMEY*, con los artistas MARC BADÍA, BERNAT DAVIU y LUIS GUERRA. Los tres artistas nos presentan trabajos inéditos: pinturas “expandidas” sobre materiales del consumismo más mainstream, obligándonos a observar y analizar las obsesiones inmediatas para descubrir lo esencial.

Una reflexión irónica y cínica sobre la seducción y lo sublime – un acto de desobediencia estética, un juego entre oxímorones – reflejo de las contradicciones y seducciones contemporáneas. Un espejismo de una realidad discordante y el eterno conflicto entre determinados objetivos morales y estéticos. La inevitable y vertiginosa atracción hacia lo llamativo, lo kitsch y lo atractivo.

El trabajo de Marc Badia se desarrolla alrededor de temas como la seducción, el binomio éxito / fracaso en las estrategias artísticas, lo convencional y lo uncanny. El artista entiende la pintura “no como un acto de resistencia si no como el Groove de un bajo en un tema funky.” Al utilizar un elemento como la purpurina – aparentemente sin conexión alguna con el concepto de las obras, nos obliga a ser espectadores atentos – investigadores cosmo-lógicos para comprender el genuino ‘origen de la realidad’.

Bernat Daviu presenta ‘Krabb Horizons’, unas piezas que abordan la representación del horizonte desde lo doméstico. La obra nace a partir del conocido espejo Krabb de Ikea, que muchos cayeron en la tentación de comprar en su momento de éxito, fascinados por sus curvas irresistibles y que ahora pudorosamente venden en masa por las redes. Al utilizar un objeto como el espejo, crea paisajes de abstracciones recluidas y contemplaciones secuestradas. Aprisiona nuestra mirada hacia lo utópico, dando reflejo al egocentrismo y el narcisismo opaco del ‘yo’ contemporáneo que se niega a cooperar.

Vanidad y narcisismo se reflejan también en el trabajo de Luis Guerra, ‘Ekstasis, ensayo de aproximación y aberrancia’, que el mismo artista describe como “una práctica que oscila en la cópula pintura-escritura. Pintura que letra como pintura paisajes. Palabras que manchan. Caligrafía que restancia se presenta mediante ecos, reverberancias sustraídas. Resonancias de la caída de la pintura, pintura como secreción, rastro brillante de caracol, sustancia viscosa que tiene por objeto la protección de la superficie. Cae la pintura, escribe lo indecible, inmanente suspensión intensa, ralentiza la ocurrencia de una aberrancia”. El artista nos presenta pinturas-banner, que lleva intrínseco en su formato notas de reacción y desobediencia en lo político, humorístico e irónico.

*El título nace de la unión sarcástica entre SUBLIME y BLIMEY*BLIMEY: Originalmente el término completo era “Gor’ blimey” que viene de “God blind me”, maldición que se utilizaba mucho en la antigua Inglaterra. El termino se usa actualmente para expresar sorpresa o maravilla y se puede traducir al castellano con la expresión Caray!

 

LOOP VIDEO ART FAIR

LOOP VIDEO ART FAIR

SCREENING 23.05.2017 > 20 – 22 hr

SFW (2004). Single-channel, 8 min. without sound
ARTIST: KATJA BJØRN
18.05.2017 – 27.06.2017

Museums are increasingly incorporating moving image based productions in their collections, while new art institutions exclusively devoted to the research, exhibition and conservation of artist films and videos are emerging. The exhibition space gives a filmmaker the chance to experiment with times and formats beyond the limits traditionally imposed by the movie theatre: short or unlimited duration; multiscreen projections; or unusual exploration of certain technical means; etc. Thus, the inclusion of cinema in the museum / gallery space, represents a twofold possibility: one of openness of the practice, and one of criticism of the historical narratives and its means of representation.

At LOOP BARCELONA | CITY SCREEN we will be presenting the video ‘SFW’ (2004) by the Danish artist KATJA BJØRN; ‘SFW’ is a black and white video depicting a woman’s bizarre entertainment play in which she puts matches up her nose with her tongue. The seemingly innocent trick is presented without enthusiasm. The woman’s unimpressed facial expression is marked by boredom, gloom and indifference. The beholder is not a witness to a humoristic performance but a peculiar repeated escapism. The artwork plays on the beholder-artist relation and the voyeurism of the beholder, when the beholders own emotions are brought into the game and are challenged whilst it becomes clear that the woman’s almost obsessive actions seem to continue in a loop.

Katja Bjørn is a Danish artist working with videosculpture. The starting point of the artists work has always been the investigation of the expression of the sculpture. Especially interesting to Katja Bjørn is the sculptures relationship to the human body.

NOVA ZEMBLA in BIKINI

NOVA ZEMBLA in BIKINI

ARTISTS: ERICH WEISS and NILS NOVA

30.03.2017 – 06.05.2017

 

HANS & FRITZ CONTEMPORARY is glad to present NOVA ZEMBLA in BIKINI.   A duo exhibition by the artists ERICH WEISS (Barcelona / born in Belgium, 1966) and NILS NOVA (Luzern- Switzerland / born in El Salvador, 1968).  An experimental adventure, a work in progress, involving music, painting, sculpture, video, photography, performance… 

The title is a word-play with the family name of one of the artists and to the famous islands NOVA ZEMBLA and BIKINI.  Both locations are famous for being the most emblematic test-sites of atomic weapons during the Cold War.

NOVA ZEMBLA is a small island where a group of Dutch explorers stranded in 1597; later it became a Russian military and strategical site, where in 1961 the famous ‘Tsar Bomb’ was tested.   The ‘Tsar Bomb’ is the Western nickname for the Soviet RDS-220 hydrogen bomb (code name ‘Ivan’ or ‘Vanya’, the most powerful weapon ever detonated. It’s test on October 30, 1961 remains the most powerful human-made explosion in history.

The BIKINI Islands were also used for similar purposes.  The nuclear testing (the Bikini Atoll program) was a series of 23 nuclear devices detonated by the United States between 1946 and 1958 at seven test sites on the reef itself, on the sea, in the air and underwater. The test weapons produced a combined fission yield of 42,2 Mt of explosive power.

With this title, the artists pretend to ironically warn the public before entering the exhibition at Hans & Fritz Contemporary.

 

This is not the first time these two artists collaborate: recently they participated in shows and events at Museo Experimental El Eco – Mexico, in Schunck* Galaspaleis Heerlen (NL) or at The New Institute in Rotterdam.

Nils Nova’s work is based on a subtle use of images – using a wide range of media: photography, video, painting, performance.  One of the main themes of his art is his obsession with the ‘déjà-vu’, ‘mirroring’ and the `trompe l’oeil’.  Very often he refers to art history, film or architecture in his works.

Erich Weiss is known for his often-provocative performances (including music and dance) but also for a contemporary body of work (installation, film, video and photography) focussing on the romantic myth of the ‘femme fatale’.  He combines his work as an artist with an activity as curator, specialising on the mixture of contemporary art, dada and surrealism.     

 

VERNISSAGE: 30.03.2017 > 19hr

30.03.2017 – 06.05.2017

HANS & FRITZ CONTEMPORARY se complace en presentar NOVA ZEMBLA IN BIKINI.  Una exposición a dúo de los artistas ERICH WEISS (Barcelona / nacido en Bélgica, 1966) y NILS NOVA (Lucerna- Suiza / nacido en El Salvador, 1968).  Una aventura experimental, un trabajo en proceso, que involucra música, pintura, escultura, fotografía, video y performance. 

El título de la exposición pretende ser un juego de palabras en referencia al apellido de uno de los artistas, pero al mismo tiempo se refiere a la isla NOVA ZEMBLA y las islas BIKINI. Ambas famosas por ser los lugares más emblemáticos para las pruebas nucleares realizadas durante la Guerra Fría.

NOVA ZEMBLA es una pequeña isla donde un grupo de exploradores holandeses quedaron varados en 1597 y posteriormente se convirtió en una estratégica base militar rusa, dando lugar en 1961 a la detonación de la famosa ‘Bomba del Zar’. ‘La Bomba del Zar’ es el nombre occidental de la bomba de hidrogeno soviética RDS-20 (nombre en código ‘Ivan’ o ‘Vanya’).  Su detonación, el 30 de octubre de 1961, queda como la explosión más poderosa de la historia provocada por los humanos.

Las islas BIKINI también se utilizaron con fines militares.  Las pruebas nucleares (el programa ‘Bikini Atoll’) fue una serie de 23 dispositivos nucleares detonados por Estados Unidos entre 1946 y 1958 en siete emplazamientos distintos dentro del mismo arrecife, tanto en mar, aire y bajo el agua.  Las detonaciones produjeron un rendimiento de fisión combinado de 42,2 Mt de potencia explosiva.

Mediante éste título, los artistas irónicamente pretenden advertir al público al visitar la exposición en Hans & Fritz Contemporary.

 

No es la primera vez que los dos artistas colaboran: han participado recientemente en exposiciones y eventos como en el Museo Experimental El Eco – Mexico, en Schunck* Galaspaleis Heerlen (NL) o en The New Institute de Rotterdam.

El trabajo de Nils Nova se basa en una sutil manipulación de imágenes mediante una amplia gama de medios como la fotografía, pintura o la performance. Uno de sus principales elementos de investigación en su trabajo es su obsesión por los ‘dejá-vú’, ‘mirroring’ o el ‘trompe l’oeil’. En sus obras hace referencia muy a menudo a la historia del arte, el cine y a la arquitectura.

Erich Weiss es reconocido por sus provocativas performances (que incluyen música y danza) así como por un cuerpo de trabajo contemporáneo (instalaciones, películas, videos y fotografías) que se enfoca en el mito romántico de la ‘femme fatale’. Combina su trabajo como artista con la actividad de comisario, especializado en la mezcla ente arte contemporáneo, dada y surrealismo.

 

Foto credit: © Ana Agraz 2017